差异的星丛

Constellations of Difference

2026.9.5 - 10.16

艺术家：罗米娜·巴苏、玛丽昂·巴达雅尔、白善京、叶夫根尼娅·杜德尼科娃、江上越、莎拉·弗里邦、克里齐亚·加尔福、爱丽丝·赫布斯特、皆藤斋、欧珀尔·梅·翁、萨洛梅·里格瓦娃、劳拉·桑德斯、马里内拉·塞纳托雷、潘娜潘·尤曼尼

Artists: Romina Bassu, Marion Bataillard, Sunkyung Beak, Evgeniya Dudnikova, Etsu Egami, Sarah Fripon, Krizia Galfo, Alice Herbst, Kaito Itsuki, Opal Mae Ong, Salome Rigvava, Laura Sanders, Marinella Senatore, Pannaphan Yodmanee

策展人：米开拉·塞纳

Curator: Michela Sena

当代唐人艺术中心 北京第二空间

Tang Contemporary Art, Beijing 2nd Space


当代唐人艺术中心荣幸地宣布，将于9月5日下午4点在北京第二空间呈现国际女性艺术家群展“差异的星丛”。


此次展览由米开拉·塞纳（Michela Sena）策划，汇集来自全球不同地区14位女性艺术家的40余件代表性创作，包括罗米娜·巴苏（Romina Bassu，意大利）、玛丽昂·巴达雅尔（Marion Bataillard，法国）、白善京（Sunkyung Beak，韩国）、叶夫根尼娅·杜德尼科娃（Evgeniya Dudnikova，俄罗斯）、江上越（Etsu Egami，日本）、莎拉·弗里邦（Sarah Fripon，德国）、克里齐亚·加尔福（Krizia Galfo，意大利）、爱丽丝·赫布斯特（Alice Herbst，瑞典）、皆藤斋（Kaito Itsuki，日本）、欧珀尔·梅·翁（Opal Mae Ong，美国）、萨洛梅·里格瓦娃（Salome Rigvava，美国）、劳拉·桑德斯（Laura Sanders，美国）、马里内拉·塞纳托雷（Marinella Senatore，意大利）、潘娜潘·尤曼尼（Pannaphan Yodmanee，泰国）。


叶夫根尼娅·杜德尼科娃，《火山坡上的花园》，布面油画，150 × 100 cm，2026


将萨洛梅·里格瓦娃、罗米娜·巴苏、劳拉·桑德斯、克里齐亚·加尔福、叶夫根尼娅·杜德尼科娃、玛丽昂·巴达雅尔、潘娜潘·尤曼尼、马里内拉·塞纳托雷、莎拉·弗里邦、皆藤斋、爱丽丝·赫布斯特与江上越的作品汇聚于同一个展览星丛之中，意味着直面当代艺术话语的核心问题：在不将多元的经验、地缘背景与艺术语言化约为单一身份定义的前提下，“女性气质”在何种程度上仍能作为一种有效的批判性范畴？


展览正是在这种张力之中成形。使这些艺术家彼此对话的，并非对某种共同美学的依循，也不是对一套共同图像志语汇的展开，而是我们可以借此观察：不同的当代艺术实践如何追问身份、经验、记忆与再现被建构并被传递的过程。


萨洛梅·里格瓦娃，《蓝室情人节》，布面油画，102 × 101 cm，2024

劳拉·桑德斯，《沐浴者》，布面油画，127 × 84 cm，2020


就此而言，女性气质并非一个边界分明的主题，而是一片开放的可能性场域。它可以体现为身体的在场与再现，也同样可以体现为空间的建构、与风景和器物的关系、记忆的阐发、情感维度、语言、想象，或集体参与。换言之，女性气质并不必然等同于作品所再现的内容；它可能存在于作品由此出发的视角之中，存在于艺术家与可见世界的关系位置之中，也存在于经验被转译为图像的过程之中。


因此，展览所呈现的艺术语言之多样性，本身就是这个项目不可分割的一部分。具象、摄影、观念及跨学科实践共同勾勒出一片有意保持异质性的疆域：在这里，现实的可辨识性与变形、碎片化和感知上的含混并存。在某些作品中，日常现实以近乎分析式的精确被观察；在另一些作品中，图像则逐渐摆脱其描述功能，成为心理空间、记忆的容器、投射，或一种幻影般的显现。


克里齐亚·加尔福，《蓝色衬衫》，亚麻布面油画，50 × 60 cm，2021

潘娜潘·尤曼妮，《宇宙纯净之源》，布面丙烯油画，120 × 95 cm，2026


尤为重要的是个体维度与身份集体建构之间的关系。亲密性、家庭性、人际关系与私人经验，并不构成与公共领域彼此隔绝的领地，而是社会结构、文化惯例与再现体系持续运作的场域。同样，当艺术实践明确进入参与性或政治性领域时，个体并不会被集体所吞没，而始终是衡量集体的首要尺度，也是其得以被表达的关键节点。


由此显现的，是一种将身份理解为过程而非既定之物的观念：身份不断在个人经验与共享想象、记忆与当下、归属与他者性的交汇处被生产出来。参展艺术家来自不同世代与地理语境，进一步拓展了这一视角，也消解了“女性气质”概念本身对于普遍性的任何诉求。展览所提出的并非一种范式性的女性经验，而是多元的立场——从这些立场出发，现实得以被观看、质疑并重新表述。


爱丽丝·赫布斯特，《演员表》，布面油画，155 × 124 cm，2025

罗米娜·巴苏，《未定之名》，布面丙烯，100 × 80 cm，2026


即便身体在作品中出现，它也参与着这种不稳定的状态。身体并不必然构成作品的观念中心，而是作为一种可能的机制发挥作用：借由它，与他者的关系、脆弱性、欲望、自我感知，或凝视的规约得以被追问。而在另一些作品中，恰恰因为身体的缺席，意义才得以生成：环境、痕迹、自然形态、器物，乃至图像自身的结构，都保存着某个主体的在场——这个主体无需被再现，也能够宣示自身。


正是在在场与缺席、可见与回撤、私人维度与公共领域之间的这种摇摆，使展览拒绝被纳入任何僵化界定的身份范畴加以解读。女性气质在此并非一种有待再现的本质，而是一个批判性的位置——由此出发，再现得以发生的机制本身也能够被审视与质询。


皆藤斋，《轮廓印记（蓝）》，布面油画，162 × 112 cm，2024

玛丽昂·巴达雅尔，《开放的空间》，木板上坦培拉，180 × 90 cm，2022


因此，本次展览汇集的作品勾勒出一幅必然不完整、也不连续的图谱。它们并不试图定义“今天作为一名女性意味着什么”，而是揭示出任何总体化定义日益显露的不足。项目的连贯性恰恰存在于这些个体经验的不可化约之中：它不在于宣称某种共同身份，而在于承认差异本身即可以成为建立关系的形式。


由此，女性气质不再是一条将这些实践收束其中的边界，而是成为一个更广阔的反思起点：既指向当代身份，也指向艺术使其多重、矛盾且持续变动的形态得以显现的能力。

文/米开拉·塞纳

2026年8月21日


莎拉·弗里邦，《把它放到某个地方，按顺时针方向》，布面丙烯，160 × 180 cm，2024

白善京，《潮湿的房间 1》，布面油画，125 × 200 cm，2026

江上越，《彩虹-2022-t-15》，布面油画，202 × 178 cm，2022




关于艺术家



罗米娜·巴苏（Romina Bassu），1982年生于罗马，现居罗马并于此开展艺术创作。她先后就读于罗马美术学院与塞维利亚美术学院。2004年，她开始担任阿尔贝托·迪·法比奥与克里斯蒂亚诺・平塔尔迪工作室的助理。此后，她辗转伦敦、柏林与西班牙继续艺术探索，并在西班牙启动了 Anonymous Archive 项目。


在该项目中，罗米娜·巴苏以绘画语言复刻多年搜集得来的大量老照片图像。借由这一创作，她开始探究个体记忆与集体记忆之间的联结，构建出一种记忆考古学。她围绕记忆展开思考，试图在宏大的普遍历史与私人个体历史之间建立延续性。


经年累月，她的创作研究愈发聚焦于女性刻板形象的刻画：这些形象依照男性文化与消费社会的需求被塑造，时至今日依旧被视作理所当然；而艺术家以女性视角对其进行“改写式”绘画呈现。忧心忡忡的母亲、以熨烫手艺为荣的家庭主妇、寻觅丈夫的年轻女子、一心追求美貌的少女——诸如此类都是她作品中的人物母题，形象素材源自极具代表性的二十世纪五十年代图像体系。正是在这一时期，一套特定的女性想象范式逐步成型，并深刻影响了之后二十余年，直至当下。


她2018‑2019年的近期作品，围绕女性、身体与脆弱性三者之间的关联展开；艺术家通过绘画叙事，借这三个要素构筑出一处生存境遇空间。在消费主义盛行的时代，社会要求女性身体也要持续产出价值，而重拾并表现这一处生存空间，对她而言，是触碰人性本真的时刻，这份本真往往被掩藏起来。


黑色幽默是她绘画作品的鲜明特质，贯穿于她全部作品的意象表达之中。2017年春，她于柏林斩获 ARTFORARTSSAKE 艺术奖；2018年入围意大利米兰开罗奖（Premio Cairo）决赛。她的作品曾在西班牙、德国、英国、意大利的多家美术馆与画廊展出。





玛丽昂·巴达雅尔（Marion Bataillard），1983年生于法国南特，2007年毕业于斯特拉斯堡高等装饰艺术学院，师从曼弗雷德·斯特恩雅克布与丹尼尔·施利尔。2007年毕业后，她移居柏林六年，在奥弗涅省和利穆赞省多次居住后，终于彻底回到法国。


玛丽昂·巴达雅尔的新作较为侧重世界与城市元素，探究了他者、人际关系与群体等问题。在她的作品中，身体与空间形成的环境尽情舒展，全方位地占据了知觉，以致于分辨“何为实际发生”成为不可能之事。一曲集体舞蹈、一名当街打电话的青年女子、一轮封闭空间里的讨论、一场等待、一次步行——玛丽昂·巴达雅尔为作品题名的方式，堪称未雨绸缪与方言的形而上学程式。日常生活司空见惯的残褪与任何直截了当的象征形式全无干系，却以其构图方式彰显了神秘主义。艺术家摆弄着参照之棱镜，以显而易见的游乐姿态映照艺术史，对统合我们的知识并加以固化全无兴趣。相反，这是一场游戏，是一次感官的奔涌。作为画家，巴达雅尔将空间与身体的感官认知放在首位，重拾方法论向古典绘画发起挑战。画家的行动是投射性的、不受约束的，是显化而非容器。是某种生理性辐射。


2015年，她的作品于蒙特鲁日沙龙赢得大奖，她自此展露头奖，在东京宫举办展览。2016年，她赢得了马林奖。从那时起，她经常在法国、德国和中国的画廊和艺术机构举办个人展览或参与群展。


她近期的个展包括：《由肉体、力量与浮雕构成》，Aponia艺术空间，Monastier-sur-Gazeille，2026；《我们的身体》，巴黎B画廊，2023；“Salut”，Guido Romero Pierini 画廊，巴黎，法国，2021；“Rester vivante”，POCTB，奥尔良，法国，2020；“La vie sur Terre”，Église des Trinitaires,，梅斯，法国，2020；Centre d'art Les Églises，切勒斯，法国，2019；“Invitable Clairire Amie”, Guido Romero Pierini 画廊，巴黎，法国，2019；“Creatures”，ALB 画廊，巴黎，法国，2017；“Figures de l'amour”，艾⽶李画廊，北京，中国，2016；“Ripailles”，Orangerie du Château de la Louviere，蒙吕松，法国，2013。





白善京（Sunkyung Baek），出生于2000年，是一位来自韩国的艺术家，目前居住并工作于伦敦。她主要以布面油画进行创作。她目前在伦敦皇家艺术学院（Royal College of Art）攻读绘画硕士学位，曾于首尔弘益大学获得美术学士学位。她是2026年 Jackson's Art Prize 获奖者，其作品曾在首尔与伦敦展出。


她的作品通过水、洪水以及被破坏的熟悉空间的图像，探讨当代社会。她认为，当代社会由流动性、灵活性与移动性所塑造，并以“洪水”作为隐喻，来考察这些条件如何扰乱那些通常被视为安全的环境，例如家庭、汽车与房间。


在她的绘画中，水是一种不可控制的外部力量——安静、过度且持续地存在——进入并改变这些空间。她的作品并不描绘戏剧性的灾难场景，而是关注更为缓慢的累积与渗透过程。画面在“被淹没”与“灾后状态”之间移动，沉积物、潮湿与残留的痕迹持续存在，并不断地重塑空间。


她认为，当代生活被信息与图像的累积、过度的选择以及持续的变化所标记，这些因素共同形成一种不确定、焦虑与疲惫的“洪流”。Baek 捕捉那些悬置的瞬间——如同水从门缝渗入一般——内与外、稳定与不稳定之间的界限逐渐消融。





叶夫根尼娅·杜德尼科娃（Evgeniya Dudnikova），1995年出生于莫斯科州拉缅斯科耶的一个专业雕塑家家庭，现于智利圣地亚哥生活与创作。2019年，她毕业于斯特罗加诺夫学院的纪念性与装饰绘画系，并完成莫斯科现代艺术博物馆（MMOMA）旗下“自由工作室”当代艺术学校的课程。她的创作主要围绕绘画与麻胶版画展开。


叶夫根尼娅游走于超现实主义传统与荣格学派思想的交汇处，逐渐形成了自身独特而真挚的绘画语言。她致力于构建一套复杂的象征体系，借以叩问内心世界的漫游与嬗变。其作品的核心母题是“马”的形象——它们被赋予丰富的隐喻与象征角色。叶夫根尼娅的关注点涵盖未来、乌托邦、人与自然之和谐、生态议题以及精神之道。她常常将真实与虚构的世界融合于同一画面空间，以此呈现个人对现实的感知。


叶夫根尼娅的创作以具象绘画、雕塑和装置为主，在超现实主义传统与荣格思想之间寻求平衡。她着力打造一种象征语言，借此探讨内在的精神漫游、命运与转变的主题，并不断追问现实的本质。为实现这种探索，她借助世界神话与个人神话、自身与自然的关系、梦境解析以及生活经验作为研究工具。


在每一件作品中，她都沉思事物的本质，并交织物体之间的相互关系。丰富的意象如星丛般组合并置，成为杜德尼科娃风格的鲜明特征，亦呼应了超现实主义的创作手法。她的图像大多直接与自然相关：或从中浮现，或催生新的生命形态。艺术家与自然的深刻连结可追溯至童年——她在密林环绕、生灵相伴的环境中长大，并与马建立了亲密的情感联系。对荒野的眷恋、持续的旅行、以及对自然元素与现象的细致观察，如今已成为她艺术实践与个人认同中不可或缺的部分。


她近期的个展有：2026《如果白昼落进》，当代唐人艺术中心，北京；2025《未知领域》，懒人迈克画廊，首尔；2023《星生云端》，凯旋画廊，莫斯科；2021《游牧者》，JART画廊，莫斯科。她近期的群展有：2025 韩国国际艺术博览会（KIAF），懒人迈克画廊展位，首尔；2024 伍尔维奇当代版画艺术博览会，伦敦；2024《|目录|艺术博览会》，JART画廊合作项目，Sitin‘s Topography，莫斯科；2023 《|目录|艺术博览会》，凯旋画廊合作项目，Sitin’s Topography，莫斯科；2023《1703》艺术博览会，第三空间画廊合作项目，圣彼得堡。





江上越（Etsu Egami），出生于日本，是活跃在国际上的日本战后第三代的代表性艺术家，主要活跃在美国、中国和欧洲。连续被福布斯评选为2020年和2021年改变世界的30位30岁以下人物之一。2021年被文化厅选为新锐艺术家，派往纽约。2019年亚洲艺术奖入围者、2022年被英国Net a Porter评选出全球6位正在改变艺术世界的女性、2023年获得年度青年艺术家奖。


江上越喜欢描摹人物，尤其着迷于人体解剖的骨骼、 肌肉，以及光影颜色的变化。她的创作理念可以用“人之谜题”来概括。在她的作品中，我们常常可以看到形形色色的人，有男有女，有古人有当代人，她画过梵高、画过诸子百家、画过名流也画过无名之辈。她用鲜明的色彩和流畅的笔触，创造出一个个富有生命力的画面，使观者仿佛置身于画作对象神秘朦胧的凝视中。这样的情感和力量，触动人心。对于江上越来说，人是永远的谜题，是她一直迷恋和向往的存在。人类从未停止对自身的探索，这种探索跨越历史长河，印刻于远古时期的岩壁之上，直到当代的肖像画，是人类对自身的好奇却依然无知的最好证明。正如江上越所说：“人是一个小宇宙，无穷无尽。”


对于江上越来说，人的脸上刻着这个人的人生和故事，这个故事无论怎么读也读不完。江上越要用画笔来读解“人”的故事。江上越对此这样阐述：“人的脸孔并非是静止的，它体现了我们的情感和心灵。它的形态一直在变化，是能量与信息在人身上来去的体现。在一个人的一生中的脸孔就如佛教中所说的‘一期一会’。脸孔总是转瞬即逝，没有一种固有形态。即使生活中有许多的误解和错位，这些也是一种机遇、对生活理解的开始及信息的交换。我们可以用很多方式去描绘脸孔，去探寻脸孔中的真相，但这些其实都是在某种错位中进行的。其实每一幅我画的肖像可能都是一种误解，因为脸孔不是永恒的。人脸就像是一本永不完结的书，它是生生不息的，内涵着人类的生命及其特性。”


她近期的个展有2026--“遥远的祝福”，当代唐人艺术中心，香港，中国; 2025--地球的共鸣，OAR当代美术馆，韩国；2024--江上越 : 时代，当代唐人艺术中心，曼谷，泰国；2023 -- “神奇东方”，昊美术馆，上海，中国；2023--江上越个展"此消彼起，未可久存", 白石画廊, 新加坡，2023-- “背负的灵魂--江上越追问的近代，一道新的地平线", woodone美术馆, 广岛, 日本；2021--“一个误解的时刻，所有的面具都掉下来了"，当代唐人艺术中心，北京，中国；2021--彩虹 ，白石画廊，台北；2021--Facebook-江上越个展，前波画廊，纽约，美国等。





克里齐亚·加尔福（Krizia Galfo），近年来意大利新一代当代具象绘画艺术家，其作品融合了古典肖像传统与电影叙事语言，主要特点包括：电影化构图（Cinematic Composition），她大量借鉴电影中的Close-up（特写）、摄影式裁切、静止画面（Frame），因此作品常像电影暂停的一帧，而不是传统肖像。 人物通常没有明显戏剧动作，而是通过眼神、姿态和身体距离表达心理状态，营造一种安静却压抑的心理氛围，许多评论者认为她的作品充满“冻结的时间感”。在克里齐亚·加尔福的作品中，绘画、电影与织物褶皱，这三重媒介将观者拽入另一重时空，凝滞于一种静态悬置的氛围之中。艺术家本人借鉴电影摄影语言与特写镜头的表现手法，挖掘人内在的精神动因与悬而未决的内心冲突，放大其中的张力与动荡。





爱丽丝·赫布斯特（Alice Herbst），1993年生于瑞典斯德哥尔摩。童年时期她多次迁居，之后回到斯德哥尔摩，就读于斯德哥尔摩艺术学院，并于2017年毕业于盖勒斯堡美术学院，后获邀前往意大利马拉内罗的法拉利设计中心开展讲座。


赫布斯特的创作以具象绘画为主，作品将抽象与写实巧妙融合，形成独树一帜的风格。她常使用纸板、纸张、织物这类日常材料制作道具，把道具布置在画面之中，赋予画作空间层次与氛围感。如同舞台布景设计师一般，她排布各类物件，引导观者想象画面背后正在发生的故事。


纸板餐边柜、压扁的茶杯这类常见物件，经由特殊材质处理焕然一新：时而模拟真实肌理，时而又刻意凸显平面感与人造感，留给观者自行解读的空间。服饰纹样与色彩搭配是她作品中十分突出的元素，她还偶尔将自己置入画中，化身不同人物形象。借由以上创作手法，赫布斯特持续探索材料的蜕变，以及身份的流动性。


赫布斯特的作品曾在多国展出，被世界各地机构收藏，其中包括意大利知名的马拉莫蒂收藏馆。她曾做过时尚模特，也曾登上《时尚芭莎》《时装》杂志以及英国广播公司（BBC）相关报道。如今她仍在斯德哥尔摩生活创作，不断拓展具象绘画的边界，对当代艺术的固有观念发起挑战。





皆藤斋（Kaito Itsuki），1993年出生于日本北海道札幌，2016年获日本山形东北艺术工科大学（TUAD）美术系艺术学士学位，2019年获京都市立艺术大学（KCUA）绘画系艺术硕士学位，现工作生活于东京和纽约。


皆藤斋在札幌出生，但对这位日本艺术家而言，家乡未免略显无聊。“我能感觉到家乡是美的，但没有好的博物馆，没有真正的艺术品，我被困在家乡感受不到任何创作的感觉。”经常使用互联网来获取信息是皆藤斋自我学习的方式，“这就是为什么我的画面并不是那么日式，观众也很难找到艺术家来自哪个国家的原因。”


皆藤斋在成⻓的家乡接触艺术的机会并不多，她的审美影响⼤部分是来⾃于⽹上流传的共享图像、视频游戏或漫画。从札幌艺术⾼中毕业后她在东北艺术⼯科⼤学学习绘画。皆藤斋还学习了⽂化⼈类学、宗教和⻘年⽂化，这些都为她的艺术创作提供了灵感。之后，她获得了京都市⽴艺术⼤学的艺术硕⼠学位，并于 2019 年移居东京和纽约，开始她的艺术⽣涯。


正是在这些经历的比较中，艺术家积累了更多的图像来源和视觉经验，“纽约有很多画廊或博物馆之类的地方，不过太大了，竞争太激烈了。正是去了纽约之后，我开始发现东京有一些很好的东西。”皆藤斋解释说，在纽约她关心的是如何赢得作为艺术家的胜利，尽管住在那里自己可以获得更多福利，但还是东京更适合自己，做艺术家是一件孤独的事情，而她想和自己的国家合作。


她的个展包括“四足面具”（当代唐人艺术中心，北京，2024），“工具已验证”（当代唐人艺术中心，曼谷，2022），“黩”（蜂巢当代艺术中心，北京，2022），“No excuses for showing up"（LEESAYA画廊, 东京, 2021），“百兽之阶”（MEME画廊，首尔，2021），“寻找……”（14a，汉堡，2020），“孤独的野兽”（银座茑屋，东京，2019）等。群展包括“故事的故事”（金鹰美术馆，南京，2022），"瞬息时代的诗歌"（X美术馆，北京，2020），"第四届CAF奖展"（Hillside Terrace，东京，日本，2017）等。





欧珀尔·梅·翁（Opal Mae Ong），菲律宾裔美国艺术家，1994年出生于加利福尼亚州洛杉矶，现居纽约布鲁克林莱纳佩霍金街并在那里工作。她于2021年毕业于亨特学院，获绘画艺术硕士学位；2016年毕业于视觉艺术学院，获插画与漫画艺术学士学位。


她目前的系列作品根植于对自然世界的感悟以及对超凡脱俗事物的内在敬畏。她的绘画作品汲取失落的祖先智慧、悲痛和思辨的想象，构成了一种个人化的神话建构。作品展现的风景中，女性形象或匍匐在地平线，或与植物交流，或托举月亮，或变换形态，或因不安而崩溃。她使用"有历史"的液体颜料，与丙烯粘合剂混合。这些颜料来自Guerra Pigment & Paints——一家以保存和利用稀有及停产颜料而闻名的本地供应商。绘画还采用了水粉——一种历史上与制图学相关联的材料。哑光、高度饱和的表面唤起透明与不透明、平面与深度的对比。色彩在身体和环境中转换，反映了Ong作为混血儿身份的经验——这种身份是关系性的，而非固定的。人物模糊地融入植物和土地，消解了自我与世界之间的边界。


在菲律宾的宇宙观中，流传着许多关于栖居于树木中的类人灵体的故事。其中，duwende 是一种体型矮小、神秘难寻的精灵，通常与神圣的树木相伴；而 kapre 则是身形高大、浑身长满毛发、带有恶作剧性格的灵体，据说栖息于芒果树、榕树和竹林等高大的树木之中。面对这些不可见的存在，菲律宾人在穿行于自然环境或进入陌生空间时，常会轻声说一句 tabi tabi po，大致可以理解为“请借过”或“打扰了”。这句话表达的是一种对于不可见存在的尊重，它承认那些超出肉眼所见的生命或力量可能真实存在，也承认每一个地方都早已有其居住者，并承载着自身独特的历史。


作为一位拥有菲律宾血统的混血菲律宾裔美国人，艺术家不断思考，在离散（diaspora）的经验中，该如何延续这种观看世界的方式。她也一直在思考，万物有灵的世界观如何能够与我生活在纽约这样一座高度城市化都市中的经验并存。人们往往通过建筑与基础设施来理解纽约，但这座城市同样是由层层叠叠的历史、生态、迁徙与不同社群共同塑造的。这些思考始终鲜活地存在着，也持续影响着艺术家当下的创作实践与生活。





莎拉·弗里邦（Sarah Fripon）1989年生于德国策茨，是一位驻维也纳的艺术家，其创作以绘画为媒介，探索日常图像世界。她最初在林茨艺术与设计大学学习时装设计（2015年获美术学士学位），随后于维也纳美术学院攻读美术专业（2021年获艺术硕士学位）。


她的作品以大量库存照片、广告图像、家庭快照、电影剧照以及数字碎片构成，将这些片段——如快餐、金钱、卫生仪式、审美模板等——拼贴并重新绘制，形成充满联想且常带黑色幽默的场景，深入探讨当代消费文化、权力结构以及日常生活中的荒诞。她的丙烯画作在具象与抽象之间游走，不将图像视为单纯的图解，而是作为“联想链条”，使时间变得模糊，将模拟与数字来源如同编码元数据的层层叠合般交织在一起。


她的作品曾于蒂罗尔艺术宫（Taxispalais Kunsthalle Tirol，2019）、维也纳利希滕施泰因宫（Palais Liechtenstein Vienna，2020）、萨尔茨堡五十二十画廊（Fünfzigzwanzig Salzburg，2021）、纽约Harkawik画廊（2022）以及维也纳艺术论坛（Kunstforum Vienna，2024）等地展出。她的作品被卡尔斯鲁厄巴登州立博物馆、维也纳美术学院版画收藏、维也纳博物馆以及中国“艺术之重”博物馆收藏。





马里内拉·塞纳托雷（Marinella Senatore），1977年出生于意大利南部城市卡瓦·德·蒂伦，跨领域艺术家，接受过音乐、美术和电影的训练。她的创作实践以强烈的集体性和参与性为特征，既作为方法也作为内容，将严谨的美学研究与社会参与的变革力量相结合。通过运用传统与民间语言形式，包括流行文化、舞蹈、音乐、大型活动，马里内拉反思集体的形成及其文化和仪式性，以及推动社会更新的可能性，创造出交流分享的时刻与场地。马里内拉的作品基于对潜在元素的无限包容：她的方法结合周围的语境，将艺术作品成为功能性结构，并通过多种媒介，如灯光装置、拼贴、纺织品和表演，来创造新的氛围。


2012年，马里内拉·塞纳托雷创立了SOND（“叙事舞蹈学校”），这是一所游牧式、免费且非等级制的学校，提倡基于解放、赋权与自我教育的替代性教育体系。通过SOND，艺术家创建了平台，邀请非专业社区成员参与特定场地的集体动作和叙事活动，这些活动与公共节庆的集体仪式相呼应。该学校的活动根据举办空间而有所不同：在十年间，这些活动已在超过23个国家举行，涉及约800万人。


马里内拉·塞纳托雷的作品曾在世界各大国际机构展出，包括2025年瑞士巴塞尔艺术展，伦敦海沃德美术馆/南岸中心，巴黎蓬皮杜艺术中心，苏黎世艺术馆，纽约高线公园，巴黎东京宫，法兰克福施尔恩艺术馆，苏黎世艺术馆，蒙特利尔当代艺术博物馆，上海明珠美术馆，斯德哥尔摩现代美术馆，蛇形画廊，芝加哥当代艺术博物馆，布鲁塞尔博扎尔，圣加仑艺术馆，萨尔茨堡现代艺术博物馆，罗马国家现代艺术博物馆，阿肯色州贝顿维尔的FORMAT艺术节，都灵Kappa未来艺术节，罗马维洛博尔盖塞，米兰二十世纪博物馆，佛罗伦萨斯特罗齐宫基金会，那不勒斯母亲博物馆，威尼斯格拉西宫，佩奇奥利M.A.C.C.A.，特拉维夫当代艺术中心等。


马里内拉·塞纳托雷曾参与诸多当代艺术双年展，包括第54届威尼斯双年展，圣保罗双年展，里昂双年展，萨洛尼卡双年展，利物浦双年展，雅典双年展，哈瓦那双年展，哥德堡双年展，昆卡双年展，普纳双年展，南蒂罗尔双年展，曼谷双年展，欧洲当代艺术双年展，马尼菲斯塔艺术展等。


马里内拉·塞纳托雷曾获得国际上的各种奖项：杜卡迪艺术奖（2025），Lio艺术奖（2023），阿卡西娅奖（ACACiA）（2021），Cantica21意大利当代艺术奖，第四届和第七届意大利理事会奖，伊夫林奖，艺术资助——德累斯顿艺术与音乐基金会（2017），MAXXI 和 AMAC（意大利当代艺术博物馆协会）奖（2014），里沃利城堡奖学金（2013），罗马美国学院奖学金（2012），特尔纳（2010），德纳当代艺术基金会奖学金（2009）等。





劳拉·桑德斯（Laura Sanders），1966年出生于密歇根州底特律市，目前在俄亥俄州哥伦布市生活和工作，并在纽约长岛市设有工作室。她于1988年获得俄亥俄州哥伦布艺术与设计学院的艺术学士学位（BFA）。


桑德斯的绘画作品以身处自然环境中的女性和女孩为主题，将风景画与人物画的类型融为一体。她的创作关注女性在超越所谓“安全地带”时所面临的复杂现实。对女性而言，体验独处和与自然的联结往往伴随着种种考量与踌躇。她通过一种富有表现力的绘画风格，将油画颜料触感丰盈、厚实华美的物质质感置于首位，以此来表达这些恐惧与渴望。她大胆的用笔创造出几近照片般写实的图像，但当近距离观看原作时，其构建过程便显露无遗——颜料的可触痕迹成为手部动作的物理证据，邀请观者放慢脚步，沉浸其中。


桑德斯曾多次获得艺术机构的资助，例如2011年大哥伦布艺术委员会（Greater Columbus Arts Council）的个人艺术家奖，以及分别在2009、2013和2019年获得的俄亥俄州艺术委员会（Ohio Arts Council）个人卓越奖。她还曾在加州索萨利托的海德兰兹艺术中心（Headlands Center for the Arts）和马萨诸塞州普罗温斯敦的美术工作中心（Fine Arts Work Center）获艺术家驻留项目。其作品曾被《新美国绘画》（New American Paintings）中西部版第77期和第149期（编辑精选）收录。





萨洛梅·里格瓦娃（Salome Rigvava），1988年生于格鲁吉亚阿布哈兹加格拉，目前在纽约生活和工作。


萨洛梅于纽约艺术学院获艺术硕士学位。2014年，她获全额奖学金在斯图加特国立造型艺术学院完成学业，师从霍尔格·邦克教授。此前，她在第比利斯国立艺术学院学习绘画，先后获学士学位（2006-2010）和硕士学位（2010-2012）。


她的作品以具象绘画（figurative painting）为主，常融合现实主义（realism）与超现实/象征主义（surreal/symbolic）元素。 主题上，她经常聚焦女性形象、文化符号（如苹果、童话元素、碎片化身体），通过个人化视角探讨身份、性别角色、心理状态与脆弱性/力量的碰撞，整体风格可描述为当代具象绘画，带有叙事性和象征深度，受传统学院训练影响，同时融入现代个人叙事。


她曾在世界各地参与多次个展和群展，并于2016年夏季在新泽西州里奇菲尔德的 Art Mora 工作室驻留项目中担任驻留艺术家。她的作品被德国、日本、美国、瑞典、英国、俄罗斯及其祖国格鲁吉亚的私人藏家收藏。





潘娜潘·尤蔓妮（Pannaphan Yodmanee），生于1988年，现居住工作于泰国南府府城。


潘娜潘·尤蔓妮将现成品、岩石和矿物等自然元素与传统泰国艺术和建筑中的绘画元素相结合。艺术家审视佛教哲学对我们生活的相关性。她通过创作探索了佛教哲学和宇宙观，利用原始的自然材料与源自当代的现成品相结合，赋予了传统泰国艺术中固有的绘画设计和图案以丧失、苦难、毁灭以及轮回的普遍持久性主题。


潘娜潘·尤蔓妮曾参加诸多大展，包括“She POSSIBLE”国际妇女节（2023）、曼谷苏豪屋艺术收藏（2023）、曼谷BACC丢失的天堂展（2023）、香港巴塞尔艺术展（2022）、澳门艺术展（2021）、第15届里昂当代艺术双年展（2019-2020）、日本小豆岛第11届东南亚Bienesse奖（2019）、澳大利亚Gagoma第9届亚太当代艺术三年展（APT9）（2018）、第1届曼谷艺术双年展（2018）、当代唐人艺术中心“时间的延时”（2018）、新加坡艺术博物馆新加坡双年展“镜子的地图”（2016）、伦敦萨奇画廊“泰国之眼”（2015）、上海愚园博物馆“神话/历史II：上海银河”（2015）、曼谷艺术与文化中心“泰国魅力：遗产+创造力”（2014）等。


潘娜潘·尤蔓妮曾获得众多奖项，如2013年第35届泰国传统绘画大奖金奖，以及2006年和2007年第1、2届泰国青年艺术家奖一等奖，2016年荣获第11届Benesse大奖。




关于策展人



米开拉‧塞纳（Michela Sena），罗马及曼谷的策展人和艺术评论人。她的研究方向涉及全球语境下当代前沿实验性艺术以及不同地域艺术家之间的对话。曾任北京普里莫马雷拉展览和曼谷当代唐人艺术中心展览总监。近年她策划了大量的展览，提出了艺术研究的有效参照，并专注于对中国和东南亚当代艺术的探索与研究。


原文链接：https://mp.weixin.qq.com/s/l3IJaxz9UioQbE6J7T3IGg

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